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    • BAR module 2019

      BAR module es un formato pedagógico flexible que pretende generar oportunidades de aprendizaje entorno a diversas temas y dinámicas. Es una semana intensiva de trabajo en la ciudad de Barcelona que busca generar espacios de aprendizaje a través de diferentes temáticas y dinámicas. Como parte de BAR TOOL#2 Training Program, los BAR module se abrirán a un público más amplio (investigadores, estudiantes, curadores, artistas, educadores, etc).

      BAR module 28 de enero – 1 de febrero 2019
      Con la participación de Vittoria Matarrese (IT-FR), Anna Colin (FR), Julie Boukobza (FR) & Claudia Pagès (ES) en  My studio visit. The city as studio.

      Este module traerá un coro de voces que hablan de la noche, los cuerpos, lo femenino, los movimientos, lo independiente, lo comunal o lo discordante para componer un espacio de aprendizaje compartido donde las diferentes prácticas convergen.

      “Las acciones de performance en el Palais de Tokyo: Do ​​Disturb & La Manutention” presentación de Vittoria Matarrese
      Desde hace 4 años, el festival DO DISTURB pone al Palais de Tokyo en un estado de efervescencia, de día y de noche, con más de 40 propuestas al año en la encrucijada de la danza, el espectáculo, el teatro y la música, persiguiendo la idea de invitar a compañeros culturales de Francia y del extranjero. Al mismo tiempo, en el otoño de 2017, Palais de Tokio inaugura La Manutention, un programa de residencia dedicado al arte del performance. De octubre a julio, seis artistas emergentes son invitados a formar parte de un programa de residencia, por un período de un mes. Este nuevo formato da la bienvenida y fomenta la exploración y la experimentación, brindando a los artistas la oportunidad de desarrollar sus prácticas y producir un trabajo original, convirtiendo los espacios de Palais de Tokyo en un estudio.

      Vittoria Matarrese, graduada en arquitectura en París, esdirectora del departamento de artes escénicas del Palais de Tokyo y curadora de arte performático. Su atípica carrera la llevó a liderar diversos cargos internacionales, incluido el de directora artística de Villa Medici en Roma y responsable de la comunicación internacional en el Festival de Cine de Venecia. Durante su carrera, trabajó en la intersección de diferentes disciplinas, desde cine hasta danza y teatro, colaborando desde que era muy joven con diferentes personalidades, como brillantes coreógrafos o directores. Esta polisemia se encuentra ahora en el centro de su investigación sobre las artes performativas.

      ¿Qué hace un espacio alternativo? conferencia de Anna Colin
      En su presentación, Anna Colin compartirá sus pensamientos sobre la pregunta “¿Qué hace un espacio alternativo?” -el tema de su investigación de doctorado, que se basa en proyectos curatoriales pasados, en su experiencia en Open School East, así como en una pequeña variedad de eventos históricos y contemporáneos internacionales de educación alternativa, el arte y los espacios y experimentos sociales.

      El espacio alternativo que constituye el objeto de su estudio es un centro social con raíces locales y democráticas, basado en la educación en el que conviven diferentes formas de aprendizaje, sociabilidades, públicos y usos. Su estudio se esfuerza para responder las siguientes preguntas, desde perspectivas arquitectónicas, educativas, sociológicas y económicas: ¿Qué forma espacial asumen las alternativas? ¿Qué constituye modelos de gobierno, financieros y comerciales alternativos realistas para tales espacios? ¿Qué se necesita para seguir siendo una alternativa a medida que cambian las circunstancias internas y externas? ¿Y cómo se relacionan los espacios alternativos con la producción más amplia de la sociedad de alternativas políticas, económicas y sociales?

      Anna Colin es curadora, educadora e investigadora. Cofundó y co-dirigió Open School East en Margate (Reino Unido), un espacio alternativo para el aprendizaje artístico y colaborativo. Anna también trabaja como curadora asociada en Lafayette Anticipations – Fondation d’entreprise Galeries Lafayette en París, y es candidata a doctorado en la Escuela de Geografía de la Universidad de Nottingham. Anna fue co-curadora, con Lydia Yee, de la exposición itinerante British Art Show 8 (Leeds, Edinburgh, Norwich y Southampton) en 2015-16. Anteriormente, Anna fue directora asociada de Bétonsalon – Centro de arte e investigación, París (2011-12), curadora asociada en La Maison populaire, Montreuil (2012) y curadora en Gasworks, Londres (2007-10).

      “We own the night” de Julie Boukobza
      Julie Boukobza es curadora y crítica de arte radicada en París, está a cargo del Programa de Residencias LUMA Arles. Boukobza ha co-comisariado, con Simon Castets, una exposición colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado llamada “FADE IN 2 EXT. MODERNIST HOME” en julio de 2017. En 2016 curó la exposición «Ficción pura» en la galería de Marian Goodman y una exposición individual de Peter Shire en New Galerie, ambas en París. Actualmente dirige el programa de residencia Luma Arles, así como el programa de residencia 89plus en el Laboratorio del Google Cultural Institute en París. En 2020, co-curará con Julia Morandeira Arrizabalaga una exposición en el Centro de Arte Dos de Mayo en Madrid, España.

      “My studio visit. The city as studio” con Claudia Pagès
      Para “My studio visit. The city as studio” nos encontraremos a las 8:00 en Encants Vells (Mercat Bellcaire) para encontrar diferentes rastros de cómo la extracción de la ciudad y la especulación en torno a los objetos se hace con cantos.

      Claudia Pagès vive y trabaja en Barcelona. Su práctica aborda los procesos bioeconómicos y la traducción, y se publica y se distribuye mediante presentaciones y lecturas, impresos y objetos / instalaciones para explorar usos y efectos del lenguaje. La artista ha expuesto en solitario y en dúo en instituciones como Yaby, Madrid (2018), La Capella, Barcelona (2017), Rongwrong, Amsterdam (2016), P ///// AKT, Amsterdam (2015). Sus performances más recientes se destacan en la Fundación de Arte de Sharjah, Sharjah UAE (2018), Ca2M, Madrid (2017), RAI10 / Fundación Arthena, Düsseldorf (2016), La Casa Encendida, Madrid (2016), Moderna Museet, Estocolmo (2015). Ha sido residente en LiveWorks, Centrale Fies (2017), Gasworks, Londres (2017), Ca2M y La Casa Encendida, Madrid, (2016) y ha recibido el premio Mondriaan fonds Werkbijdrage Jong Talent, Países Bajos (2016-2017).

      ***

      BAR module 18 – 22 de marzo 2019
      Con la participación de Ad Minoliti (AR), Irene Aristizábal (CO-ES-UK), Francesc Ruiz (ES) y Antonio Gagliano (AR-ES).

      Este module quiere explorar diferentes prácticas que deambulan entre teorías queer y decoloniales, feminismos, pedagogía, dibujo, pintura y diseminación perturbadora del conocimiento para generar proyectos que, involucrando a diferentes aliados en su desarrollo, afecten a diferentes niveles los procesos de cambio político y social. 

      “Posible geométrica no binaria y pintura expandida feminista” workshop de Ad Minoliti
      Como pintora multidisciplinaria argentina, la propuesta de Minoliti es una combinación de pintura, video, anime y diseño. Las instalaciones y el rendimiento exploran alternativas a los discursos tradicionales, involucrando una diversidad de temas como la teoría de Queer, los cyborgs, el feminismo, la abstracción, la ciencia ficción, la arquitectura o la decoración, la infancia y los derechos de los animales. Para Ad Minoliti, la geometría es la mejor herramienta para experimentar con una utopía no humana, donde las teorías de género se pueden aplicar al lenguaje pictórico y encontrar otras formas de investigar el mundo visual.
      Presentación audiovisual con breves cuestionarios a partir del trabajo propio y basados en el Método Diana Aisenberg.

      Ad Minoliti crea obra pictórica de una posible combinación entre geometría y teorías queer. En su cuerpo de trabajo, la geometría es la mejor herramienta para representar e imaginar una heterotopía trans-humana, dentro de la cual las teorías de género pueden ser aplicadas al lenguaje pictórico y encontrar nuevas formas de experimentar el mundo visual.
      Vive y trabaja en Buenos Aires. Sus exposiciones incluyen: Trienal de Aichi (Japón), FRAC Nantes (Francia), Bienal de Mercosur (Brasil), Front Trienal de Cleveland, Museo de Brooklyn e Independent (NY), Galerías Peres Project (Berlin), Crèvecoeur (París) y Agustina Ferreyra (México DF); y residencias en México, San Francisco y Londres, entre otras. Fue galardonada con varios Premio Adquisición como Arcos Dorados de Latinoamérica, Bienal Museo de Bahía Blanca, Salón Nacional Banco Central, Fundación Federico Klemm, Premio Igualdad Cultural y Uade.

      Irene Aristizábal es Jefa de Práctica Pública y Curatorial de BALTIC Centro de Arte Contemporáneo, Gateshead. Trabajó como Jefa de Exposiciones en Nottingham Contemporary desde 2013 hasta febrero de 2019, donde curó exposiciones y se encargó de proyectos de Pia Camil, Steffani Jemison, Otobong Nkanga, Simon Starling, Michael Beutler, Pauline Boudry / Renate Lorenz, Sun Ra, Rana Hamadeh, Danai Anesiadou, Danh Võ, Carol Rama y Asco. Las exposiciones colectivas más recientes incluyen Still I Rise: Feminisms, Gender Resistance (2018-19, co-curada con Rosie Cooper y Cédric Fauq) y States of America: Photography from the Civil Rights Movement to the Reagan Era (2017 – Co-curada con Abi Spinks).

      Irene será co-curadora del British Art Show 9, junto a Hammad Nasar, que se inaugurará en Manchester en 2020 y viajará a Wolverhampton, Aberdeen y Plymouth. Fue curadora en el FRAC Nord Pas de Calais, Dunkerque en 2010–11, y recibió la Beca Curatorial H + F (2010). Antes de eso, co-dirigió el espacio sin fines de lucro Bétonsalon en París (2005-06). También ha comisariado exposiciones en la Fundació Miró, Barcelona; Form Content, Londres y el Museo de Ciencias de la Salud, Bogotá.

      SOLICITUDES:

      Deberán enviarse a hello@barproject.net y a coordination@barproject.net en un solo mail y en un solo archivo PDF (máx 2MB) incluyendo:
      curriculum vitae
      biografía corta
      carta de motivación (hasta 500 palabras)
      Se requiere buen conocimiento de inglés

      FECHAS LÍMITE DE INSCRIPCIÓN:
      28 de enero-1 de febrero: 18 de enero, 2pm (GMT+1)
      18 – 22 de marzo: 8 de marzo, 2pm (GMT+1)

      PRECIOS:
      Precio de un BAR module: 300€
      Precio de dos BAR module: 500€

       

    • [bio] Cristina Bogdan

      1985, Bucarest

       

      En 2014, fundó ODD (oddweb.org), un espacio para encuentros y producción artística en Bucarest. Es también fundadora y editora de la Revista ARTA online (revistaarta.ro), una plataforma que mapea el arte contemporáneo en Rumania. 

    • Fenómenos de la ausencia

      David Ortiz Juan, Elida Høeg, Rosanna del Solar y Hugo Hemmi

      curated by BAR project

      29 de junio – 22 de julio
      jueves 28 de junio
      Centre d’Art Contemporani de Barcelona-Fabra i Coats*

      “Un organismo no es el entorno que representa. Los que estamos vivos estamos en deuda con nuestros antepasados que están muertos y que no están aquí. Hacemos cosas que sabemos en virtud de metas futuras que no están presentes. Todo este tipo de fenómenos de la ausencia es muy importante.” – Eduardo Kohn

      Fenómenos de la ausencia revela cuatro metodologías –desde la arqueología hasta el periodismo, la curaduría o lo artístico– de acercarse a la carente realidad: la que constata la corporalidad del cuerpo ausente. A partir de fuentes orales, visuales y datos sobre los ancestros, de nuestros propios vecinos o de la sociedad en general, las obras y dispositivos ponen de relieve un análisis tanto físico como cognitivo y organizacional.

      David Ortiz Juan trabaja sobre la idea del fantasma como figura social en relación con la historia de España y los desaparecidos durante la Guerra Civil; Elida Høeg incide en cuestiones que tienen que ver con la pérdida de privilegios en el espacio público de las ciudades, con especial enfoque en los sonidos y el ruido; Hugo Hemmi vuelve a sus orígenes para entrevistar a su abuela, una hija de emigrados españoles a Francia, y tratar de conocer más de una historia casi siempre escondida y poco revelada; y Rosanna del Solar propone un ensayo sobre la importancia de documentar historias, en este caso poniendo en relación el contexto soviético con el contexto peruano, buscando similitudes y diferencias en la construcción histórica de ambos países en relación con el paso de la dictadura a la democracia.

      Este ensayo expositivo presenta los proyectos que David Ortiz Juan, Elida Høeg, Rosanna del Solar y Hugo Hemmi han desarrollado a lo largo del programa de formación práctica BAR TOOL #1.

      *c/ Sant Adrià, 20, 08030 Barcelona

    • Supersimétrica

      Estación de Chamberí (Andén 0)
      23-25 Febrero 2017, Madrid

       

       

      BAR project participa en Supersimétrica presentando las propuestas de los toolests, los cinco participantes del nuevo programa de formación práctica BAR TOOL #0 2016-2017, articulado entorno a procesos de investigación, producción y presentación.

      Tali Serruya y Ibai Hernandorena, “Cada vez son más los artistas que sueñan con hacerse ricos y que pueden enriquecerse. Es aquí donde la caída comienza”, 2017. 10 pósteres, 70 x 100 cm.
      La obra Cada vez son más los artistas que sueñan con hacerse ricos y que pueden enriquecerse. Es aquí donde la caída comienza se compone de fragmentos de una misma frase y de la imagen declinada en una estética pop de un mismo ladrillo. La pieza cuestiona la relación entre cantidad y calidad, visibilidad y rentabilidad, así como el concepto de producción y reproducción. La imagen del ladrillo fija el vértigo suspendido, el momento antes de la caída.

      Enea Palmeto, “Hi Ricky Fitts”, 2017. Dispensador de bolsas de plástico para artistas. Sírvase usted mismo.
      – It was one of those days when it’s a minute away from snowing and there’s this electricity in the air, you can almost hear it. Right? And this bag was just dancing with me. Like a little kid begging me to play with it. For fifteen minutes. That’s the day I realized that there was this entire life behind things, and this incredibly benevolent force that wanted me to know there was no reason to be afraid, ever. Video’s a poor excuse, I know. But it helps me remember… I need to remember… Sometimes there’s so much beauty in the world, I feel like I can’t take it, and my heart is just going to cave in – Ricky Fitts – American Beauty (1999).

      Julia Gorostidi, http://rosalanara.tumblr.com/…/volver-a-escribir-madrid-mi-…

    • Mónica Restrepo: De mala gana – Parte 2

      Jueves 24 de noviembre, Fabra i Coats, Barcelona*
      19:00 Acción de la artista Mónica Restrepo

      Un espacio de 3 x 3 metros de ancho y largo, de más de 2 centímetros de profundidad. Es barro fresco, aplanado, liso. Sobre él hay una serie de objetos. Algunos están hechos de barro que ya es cerámica, otros están en proceso de serlo y hay también barro fresco amontonado. Este piso de barro alude al lugar donde sucedió el encuentro y posterior saqueo de un cementerio indígena en Colombia en 1992. Lo liso del piso hace referencia a cómo quedó el lugar después del saqueo y a como estaba al principio, cuando -aparentemente- no había nada.

      Al tratarse de una instalación en el suelo, la persona que cuenta la historia tiene una relación corporal con el espacio, además de que ésta puede modificar completamente la instalación. Cada vez que da un paso, cada vez que se mueve, va modificando el espacio, como una hoja de papel que se va llenando de tinta al dibujar sobre ella. La manera en que se puede escribir/excavar sobre esta superficie involucra no sólo los pies sino otras partes del cuerpo y otras acciones además del caminar: acostarse, sentarse, arrastrarse, arrodillarse, caerse y usar rodillas, manos, codos, cabeza, pies, dedos y utensilios diferentes. El propio barro es herramienta de escritura.

      Excavar, modificar esta superficie como si se tratara de re-escribir el texto que ya fue escrito, la historia -el desastre- que ya pasó. Re-escribirla en un intento de examinar en mayor profundidad que fue lo que pasó exactamente.
      Excavar es entonces volver a mirar, mirar el suelo, observarlo detenidamente, descomponerlo. Descubrir que hay más allá de lo que está en la superficie e intentar ir a la raíz. Origen, verdad, no es algo que interese aquí. Se trata no tanto de ir al origen del problema, como de seguir sus raíces, descubrir dónde se extienden y/o especular al respecto.

      Mónica Restrepo (Bogotá, 1982) Vive y trabaja en Cali (Colombia). Estudió en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, en el Postgraduate Program de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Lyon y en el Homework Space Program en Beirut. Exposiciones recientes: Surface Matters, Glassbox (Paris); Flor o Florero, Galería Jenny Vilá; Room for doubt, ICSP New York; Bienal de Mercosur, Portoalegre; M-Other Tongue, Tenderpixel Art Space, Londres; Moucharabieh, Triangle France, Marsella; ArcoColombia – Arco Madrid 2015 ; Markers – ArtDubai 2015; Ella estuvo aquí, Galería Jenny Vilá; Las cosas en sí, Museo La Tertulia; El diablo probablemente, Fundación Misol Bogotá – Colombia. Actualmente artista en residencia en BAR project (Barcelona) en colaboración y por iniciativa de Emma, una organización sin animo de lucro para las practicas artísticas y culturales que fomenta el dialogo y la exploración en las artes.

      La residencia de Mónica Restrepo es una iniciativa de Emma en colaboración con BAR project.

       

      *Fabra i Coats – Fábrica de Creación de Barcelona
      Carrer de Sant Adrià, 20, Barcelona

    • André Romão: IRON, FLESH, ABSTRACTION

      • ROMAO_PRO

      Diferentes voces se entrecruzaban y se contagiaban en un flujo verbal continuo… Como sabéis, el habla es una forma de auto erotismo y de goce, lo que se percibía perfectamente escuchando las emisiones de Radio Alice. […] Eran voces sin imágenes, voces que se hacían más intensas en la oscuridad.

      Entrevista a Clemens Gruber, 1977 l’anno in cui il futuro cominciò, Franco Berardi (Bifo) y Veronica Bridi (eds.), Fandango libri, Roma, 2002.

      La residencia y exposición de André Romão es una colaboración entre BAR project y The Green Parrot.

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